Extractos de entrevistas por Kenneth Archer,

Bangalore, India, Septiembre, 1983

 Por gentileza de:

R O E R I C H   R E S E A R C H   J O U R N A L 

India, octubre de 1983, durante las entrevistas con Kenneth Archer. (Foto: Devika Rani Roerich)  

www.roerichbyarcher.com

Por Kenneth Archer

Ejemplar de Octubre 2012

Serie Svetoslav Roerich

1. Nicolás Roerich y sus contemporáneos

KA: ¿Hasta donde fue influenciado por sus contemporáneos el arte del Profesor Roerich?

SR: No hay duda de que hubo una influencia. Siempre estaba abierto a todo tipo de expresión creativa, y no podemos pasar por alto estas influencias, ya que forman parte integrante de nuestra vida y desarrollo.

KA: ¿En qué medida los conceptos simbolistas influenciaron su pintura?

SR: Estos deben haber influido en él, pero desde el principio el Profesor Roerich fue muy individual. Su expresión se había formado muy temprano. Tenía su propio estilo: un estilo denominado como el “Reino de Roerich”, y que lo llevaba consigo. Así que yo no diría que pudiéramos identificar la influencia exacta de la cual se ha nutrido en su expresión creativa, pero sin duda, siempre estaba abierto a estas impresiones. KA: En cuanto a los escritores simbolistas, ¿estaba cerca artística y personalmente a Blok y Bely? SR: Sí, con Blok tuvo numerosos contactos y sé que Blok valoraba enormemente su arte y a él como persona. KA: En cuanto a los escritores simbolistas franceses, ¿estuvo interesado en los escritos de Mallarmé, Péladan (Rosacruz) y Baudelaire? SR: Por supuesto que estaba bien familiarizado con ellos y, como te dije, estaba interesado en todo tipo de expresión creativa, ya sea pictórica o literaria, porque la suya era una mente universal. Cuando ves el alcance y la amplitud de su visión, lo que en realidad visualizaba, y como buscaba un nuevo mundo, comprobarás que estaba muy por delante de su tiempo.

KA: En cuanto a los pintores simbolistas rusos, ¿estaba en particular interesado en el trabajo de Borisov-Musatov y Vrubel?

SR: Sí, valoraba enormemente a Vrubel. Con Vrubel tuvo un buen número de contactos, y valoraba mucho las tendencias de Vrubel. Como sabéis, Vrubel siempre escuchaba voces, y creía que escuchaba la voz del demonio que pintó. Mi padre me contó que a veces conversando con él, de repente se paraba y decía: “¿Le oyes? ¿Le oyes? ¿Está cantando? Sea lo que sea, Vrubel estaba muy cerca de mi padre en relación con su acercamiento al arte y a los temas que este elegía, porque Vrubel era también muy ruso y , al mismo tiempo, porque había trascendido los límites de un arte o estilo particular.

KA: En cuanto a los pintores simbolistas de otros países, ¿podrías decir algo sobre su interés por Puvis de Chavannes y Böcklin, y comentar si estaba especialmente interesado en la pintura de Rossetti, Burne-Jones, Beardsley, Moreau, Hodler, Redon, Carrière, Gauguin, Bernard, Van Gogh, Serusier, Khnopff y Munch?

SR: Mi padre estaba muy cerca de Puvis de Chavannes. Apreciaba enormemente su estilo y sus murales, y también a Böcklin. En cuanto a todos los demás, como Burne-Jones y Rossetti y todos los prerrafaelistas, eran muy apreciados por mi padre. Gustav Moreau estaba muy cerca de él; también Hodler, Odilon Redon y Gauguin, particularmente estaba cerca de Gauguin; también le gustaban a mi padre Van Gogh y Munch.

KA: ¿Hasta qué punto estaba interesado el Profesor Roerich en el trabajo artístico y educativo de William Morris? ¿Ves paralelismos con su trabajo?

SR: Estaba interesado, pero no sé si él específicamente lo había apuntado, escrito o tratado alguna vez, hasta donde yo puedo recordar.

KA: ¿Hubo pintores de su tiempo, cuyo trabajo no admirara?

SR: No lo sé. Mi padre, por regla general, nunca expresaba sus gustos o desagrados en particular. Dejaba pasar las cosas que no aprobaba – las cosas que no le gustaban acababan pasando por alto.

KA: ¿Qué opinaba sobre la pintura no figurativa, el cubismo y las escuelas de la modernidad?

SR: Si coges el arte de mi padre, se puede ver que siempre siguió una línea definida. Nunca se metió en esta clase de estilos experimentales, como, por ejemplo, Picasso, que tenía muchos estilos divergentes. Si coges las pinturas de mi padre, se puede ver una línea definida de progreso, un progreso que siempre está ahí. Más tarde, se hizo más poderosa y elocuente su expresión, con una mayor síntesis, una mayor simplificación. Pero el estilo era más o menos el mismo: Seguir los mismos canales.

KA: ¿Hubo alguna relación entre sus primeros trabajos y los de Kandinsky? ¿Tuvo algún contacto con Kandinsky? ¿Cuál era su opinión sobre la obra de Kandinsky en sus distintas etapas?

SR: ¿Cuál era su opinión sobre Kandinsky? Bien, no te lo puedo decir, porque Kandinsky en ese momento estaba apareciendo, estaba dándose a conocer. Kandinsky se hizo popular mucho más tarde.

KA: ¿Hubo alguna relación entre sus primeros trabajos y los de Malevich?

SR: No, yo no creo que los hubiera.

KA: ¿Tuvo algún contacto con Malevich?

SR: No te lo puedo decir – posiblemente. Mi padre, como líder de esa gran escuela y de la Sociedad para el Fomento de las Artes, tuvo una tremenda vida social, donde desde la mañana hasta la noche esas personas se agolpaban en nuestro lugar de trabajo, con todo tipo de artistas. Era un maravilloso ambiente con todo ese mundo. Así que, naturalmente, en esa gran multitud que venía, había muchas personas que posteriormente se dieron a conocer.

KA: ¿Cuál era su opinión sobre la obra de Malevich en sus distintas etapas?

SR: No puedo decirte su opinión sobre la obra de Malevich, realmente no lo sé.

KA: ¿A cuáles de sus artistas contemporáneos admiraba particularmente en Rusia y fuera de Rusia?

SR: En Rusia, en ese momento, admiraba a Serov, el retratista. Era un buen amigo. Serov también pintó el retrato de mi madre, que has visto. También admiraba por entonces el trabajo de Surikov, Nesterov y Kuindji, el paisajista. Sin lugar a dudas, el arte de Kuindji tenía ya una influencia en síntesis y simplificación. Por otra parte, existió una relación cálida entre Kuindji y mi padre. Eso siempre estuvo allí. Después, tienes una amplia colección de otras personas como, por ejemplo, en Finlandia, Axeli Gallen. No sé si lo conoces. Mi padre lo admiraba. Había otro con el nombre de Rissanen. Después, estaba el grupo de artistas franceses, incluyendo a Gustav Moreau y Puvis de Chavannes. Mi padre era un seguidor de Gauguin. Le gustaba mucho Gauguin y Van Gogh, aunque este último en menor medida; y Odilon Redon, porque Redon era muy decorativo en su trabajo. Mi padre era muy parcial y amaba el arte japonés; teníamos en Rusia una buena colección de estampas japonesas: las mejores de Hokusai, Utamaro y de todos los artistas conocidos. Sin duda, los artistas japoneses le han dado o han contribuido en algunos aspectos de su tratamiento de la simplificación de los paisajes y cosas por el estilo. Luego estaba el arte de India, como Ajanta, que mi padre conocía bastante bien desde el principio, desde muy temprano. Así que también fue un añadido importante. Mi padre siempre estaba atento con todo lo que estaba a su alrededor y, por supuesto, siempre se beneficiaba de algo que parecía responder a algunos de sus pensamientos e inclinaciones. En Inglaterra, como te dije, le gustaban mucho los prerrafaelitas Burne-Jones y Rossetti. Luego, más tarde, Augustus John, a quien le conocía personalmente. También, Munch. Le gustaba Munch y Segantini. No sé si conocía a Segantini, si estuvo alguna con él, pero sé que le gustaba, porque se solía referir a sus pinturas y cosas, aunque no muy a menudo. Como ves es una lista interminable de diferentes artistas que han tenido algún lugar en su vida. Todos tenían un lugar. No hay duda de ello.

KA: ¿Se podría decir que con el grupo Mir Iskusstva, en particular en sus primeras etapas, no tuvo afinidad?

SR: ¿En que medida te estás refiriendo?

KA: En el sentido de que Alexander Benois no estaba interesado en las tradiciones más antiguas del arte ruso, teniendo en cuenta que tu padre sí.

SR: Eso es correcto. Benois estuvo siempre – como solía decirlo – inclinado por lo versallesco, así como por tendencias e impresiones latinas. Mir Iskusstva era un hijo de Diaghilev. Diaghilev era una persona muy interesante, un verdadero empresario, un hombre extravagante. Era un excelente promotor e hizo un trabajo maravilloso: popularizar el arte ruso y llevarlo a muchos países. Por lo tanto, desde ese punto de vista, Diaghilev jugó un papel muy importante. Foto de Leonardo OlazabalEn aquel tiempo también estaba la princesa Tenisheva, que era muy activa. Ella estaba interesada en el arte popular. Estaba tratando de relanzar algunas de las artes y artesanías tradicionales. De hecho, hay un buen número de personas que estaban realmente interesadas en la promoción del arte ruso. Allí estaban coleccionistas, como Mamantov y otros en Rusia. Había muchos en ese momento. Fue un periodo rico, un ciclo muy interesante. Y esto a menudo sucede, ya sabes, al final o cierre de un ciclo, o un período muy importante, cuando muchas personalidades únicas se juntan. Ellos nacen juntos. Lo mismo ocurrió en India en la época de la Independencia. En India, había líderes maravillosos, que se juntaron, ya que habían nacido juntos en ese momento. Y eso es una necesidad histórica – el cierre de un ciclo.

KA: ¿Cuál era la relación de tu padre con Benois? ¿Cuáles fueron sus diferencias artísticas?

SR: Hubo bastantes divergencias, ya que Benois era muy diferente en su apreciación del arte. Tuvo una muy fuerte inclinación hacia las artes occidentales y eso se dio desde el principio. Para él esencialmente el arte ruso era algo extranjero. Puedes sentir su alienación. Lo expresó bastante bien en su artículo sobre el Profesor Roerich en esa primera monografía, la mayor, donde hay un artículo escrito por él. Pero, bueno, sea lo que fuera, se trata de un mosaico compuesto de muchas piedras diferentes.

KA: ¿Cuál era la opinión del Profesor Roerich sobre los diversos períodos pictóricos de Picasso?

SR No respondió a esta pregunta.

KA: ¿Cuál fue la relación del Profesor Roerich con Bilibin? ¿Cuáles fueron sus paralelismos?

SR: Ellos fueron amigos, ya que Bilibin solía enseñar en la Escuela de la Sociedad para el Fomento de las Artes. Solíamos encontrarnos con él muy a menudo; luego Bilibin se casó con Shchekatikhina, que fue alumna de la Escuela. Era una chica con mucho talento y fue uno de los ayudantes de mi padre – asistentes de dirección: ella y Ekaritsina. Tuvo varios asistentes artísticos.

KA: Me han dicho que el Profesor Roerich y Bilibin pertenecían a un grupo especial de arqueólogos dentro de Iskusstva Mir. ¿Fue así?

SR: No fue así. Bilibin, como ya sabes, fue principalmente un ilustrador, y solía ilustrar cuentos rusos. Algunos de ellos eran muy hermosos, pero su trabajo fue, como ya conoces, en su mayoría en blanco y negro, que era coloreado con un tono de colores planos ilustrativos. Mi padre y Bilibin fueron muy amigos, ya que Bilibin solía venir con nosotros con mucha frecuencia. De todos modos, él estaba en la escuela, así que era una parte integrante de esa organización.

KA: ¿Cuál era la relación entre Bilibin y Víctor Vaznetsov? ¿Cual era la similitud en relación a su acercamiento a la historia?

SR: Creo que ambos estaban muy cercanos en sus maneras. Vaznestsov era más realista, y era un artista de gran peso. En ese momento, especialmente, ocupaba un lugar muy importante. Bilibin era un buen dibujante, y sobre todo, como he dicho, un ilustrador. Vaznetsov pintó grandes composiciones. Fue un gran realista. Lo mismo con Surikov, que era un gran artista, y Nesterov. Surikov era un gran artista del género histórico, con sus grandes composiciones, siendo una muy buena representación la de aquellos primeros períodos.

KA: ¿Cómo se diferenciaba tu padre de estos en su camino hacia la historia?

SR: El enfoque de mi padre era diferente, porque su tratamiento era más convencional. Era un tratamiento más histórico – el tratamiento de un artista de iconos. Por este motivo, mi padre, en la Escuela de Arte, daba clases especiales de iconos, que él mismo dirigía. Estaba muy involucrado con el resurgimiento de este antiguo oficio del artista de iconos. Mientras estos otros eran realistas: Surikov; Nesterov marcaba una línea diferente: más bien siendo un romántico, un artista místico, pero muy hermoso. Al llegar a nuestro lugar de trabajo, te mostraré el boceto de Nesterov para San Sergio, esa bella pintura. ¿Las has visto?

KA: ¿Ante el árbol? SR: Sí, eso es correcto.

KA: ¿Cuál fue la opinión de tu padre sobre la pintura de Nesterov?

SR: Tenía muy buena opinión de la pintura de Nesterov, que, como ya he dicho, era un historiador romántico. Así que, naturalmente, su enfoque a través del apartado religioso de Rusia fue en ese momento la interpretación más importante.

KA: ¿Qué relación tuvo el Profesor Roerich con el artista y escritor Grabar?

SR: Grabar solía acercarse para vernos a menudo. Grabar era un buen crítico y un buen escritor. Y algunas de las pinturas de Grabar eran delicadas y agradables – algunas de sus escenas de invierno.

KA: Se ha comentado por parte de algunos historiadores del arte que cuando el profesor Roerich fue nombrado presidente de Mir Iskusstva, hubo un antagonismo con otros artistas, que dijeron que estaba siendo promovido por la princesa Tenisheva. ¿Podrías aclararme por favor esto?

SR: En realidad no hubo una oposición. Había un cierto resentimiento. Todos estos artistas estaban celosos de mi padre, a causa de la posición que ocupaba, no sólo en la escuela, sino en la sociedad y en todo. Eran muy celosos, y esta es la principal razón de la existencia de algunos de sus sentimientos. Esto es algo humano, ¿no? ¿Por qué él y no yo?

KA: Debe haber sido difícil para el profesor Roerich, en ese sentido, tener toda la habilidad que tenía.

SR: Si observas la escala de las obras de mi padre y el amplio campo en el que podía proyectarse, los otros no lo tenían. Sus vidas eran pequeñas – la escala era muy limitada, comparativamente. Así que, naturalmente, podían darse este tipo de sentimientos y objeciones de resentimiento. Estas siempre fueron bien contenidas, pero esos sentimientos estaban allí – no hay duda al respecto.

KA: ¿Fue el primero entre sus contemporáneos en defender el valor de los iconos como una influencia para la nueva pintura rusa?

SR: Mi padre fue uno de los primeros en abogar por el valor de los iconos. De eso no hay duda. Por este motivo fue el director del departamento de pintura de iconos en la escuela, él mismo, personalmente. Recopiló a algunos de los mejores pintores de iconos tradicionales de las viejas familias, que en realidad fueron los educadores en esas clases. Tuvo algunos pintores de iconos que eran personas muy especiales. Los recuerdo muy bien – personas mayores y viejos creyentes. También hubo algunos artistas del mosaico muy importantes, especialistas en mosaicos. Siempre abogó por el valor de los iconos. Por supuesto que sí. Siempre los resaltaba. Escribió un buen tratado sobre los iconos en los comienzos – es decir, al comienzo de su carrera, después de 1900 o por ahí – en el libro ruso de sus primeros ensayos.

KA: ¿En la publicación Sitin de Moscú en 1914? SR: Sí, en 1914. Hay un capítulo titulado “Terem de los iconos”, es decir, el castillo de los iconos.

KA: ¿Cómo se unió el Profesor Roerich como artista al contexto de su época?

SR: Bueno, como he dicho, siempre estuvo aparte como artista individual. Realmente no se podía decir que encajara en ninguna escuela o movimiento, ni nada de eso. Lo que Andreyev escribió en su “Reino de Roerich,” estaba correctamente definido como el reino de mi padre, su reino especial. Tuvo una clase especial de encajonamiento desde el comienzo en su estilo, planteamiento, tratamiento y actitud. Mi padre era un gran hombre. Para él, todos esos celos, pequeñas disputas y cosas por el estilo no existían. No le interesaban, no se preocupaba por ellas, de ninguna manera participaba en las disputas, que existían entre estos artistas. Desafortunadamente, estos artistas tuvieron que hacer su vida fuera del arte, lo que siempre de alguna manera crea un montón de problemas, por supuesto. Sólo unos pocos artistas realmente lo hicieron bien.

KA: ¿Admiraba a Gauguin? ¿Podrías contrastar por favor su uso del color y la iconografía religiosa?

SR: Todos nosotros, el Profesor Roerich, toda la familia y por supuesto yo, éramos  grandes admiradores de Gauguin como artista. Admiraba a Gauguin por muchas razones. En primer lugar, por el uso del color y su tratamiento del tema, que era muy bueno y estilizado por un lado; y por el otro, destacaba la naturaleza realista de las islas del sur.

KA: ¿Es correcto decir que en sus primeros días, antes de 1919 o antes de 1920, fue parte de un movimiento artístico de desarrollo y más tarde se fue orientando hacia el suyo?

SR: Sí, por supuesto. Fue parte de un movimiento artístico de desarrollo en aquel tiempo, pero ya estaba enfocándose hacia el suyo propio. En sus primeras pinturas, creo que las has visto, hay una cierta interpretación, que es quizás similar o está relacionada  con Vaznetsov en sus pinturas históricas tempranas. ¿Has visto esos grandes murales de mi padre en el Museo Estatal Ruso?

KA: Sí, The Bogatyr Frieze, Ilya Myramitz, etc. SR: Sí, La Casa Boyanov, Ilya Myramitz, Solov Razbainik,. . . Sí, por supuesto, él fue parte del movimiento artístico de desarrollo en ese momento, porque él era una parte integral y muy importante del movimiento de arte, de la vida artística del país. Más tarde fue por su camino, porque después de todo dejó el país en 1917. Antes de 1917 está todo bien, pero más tarde ya estaba en entornos muy distintos.

KA: ¿En qué nueva dirección proyectó el arte ruso el Profesor Roerich?

SR: Es difícil decirlo. Me dijeron que había muchos artistas, que estaban tratando de pintar con su propio estilo. Me dijeron que eran copias e imitaciones, siendo el mejor elogio que se puede dar a alguien. ¿No es así? A mi padre nunca le interesó, o no quería, establecer ningún tipo definido de formulación o tipo de vía o camino a seguir.

KA: ¿Para sí mismo?

SR: No, para todo el mundo. Pensaba que cada uno debe descubrir su propio camino, y esta era la tarea de cada artista: encontrar su propio camino. ¿No es un error decir a una persona que tiene que hacerlo en un determinado camino? Sería un error. Sólo al tipo más pequeño de los docentes le gustaría atentar contra las libertades de sus alumnos. La comunidad de los artistas es una extraña comunidad en su conjunto, como ya sabes.

KA: ¿Le llevó el interés de tu padre en la religión y la filosofía finalmente fuera de la corriente de sus pintores contemporáneos?

SR: Su interés por las religiones y la filosofía no le llevó fuera de la corriente de los pintores contemporáneos, ya que mantuvo la pintura hasta el final. Así que su vida artística no se vio afectada por ello en absoluto y de ninguna manera. Obra de Kenneth Archer

KA: Pero si se piensa en alguien como Kandinsky o incluso Malevich, estos dejaron esa exploración, según parece. Quizás en sus pinturas iniciales ellos estaban interesados en otras dimensiones, pero luego se detuvieron ahí y pasaron a otras cosas. Esto fue sólo una fase de su trabajo.

SR: Bueno, sí. En el caso de mi padre no hubo ningún cambio, como te dije, en relación con su estilo y actitud en el arte: fue sólo un desarrollo en una dirección, que comenzó muy temprano. Fue un desarrollo lógico y la conclusión de su trabajo en todos los sentidos. Es decir, hubo una mayor síntesis. Hubo un mayor uso de símbolos, pero bajo un aspecto espiritual específico en el arte, ya que había realizado muchas de sus pinturas con temas religiosos o espirituales, que eran recurrentes en sus obras anteriores. Sus pinturas que yo las describiría como muy buenas, llevaban su personalidad espiritual.

KA: ¿Podrías hablar sobre el círculo de San Petersburgo antes de 1917?

SR: El círculo de San Petersburgo fue muy amplio. Fue muy amplio, debido a que muchos intelectuales fueron incluidos en el mismo. El trabajo de mi padre aglutinó a un montón de diferentes organizaciones, círculos, sociedades y todas estas personas, que constantemente se acercaban a mi padre para realizar debates y reuniones. Su vida estaba llena de interacción con los intelectuales, haciendo que su vida fuera más interesante y satisfactoria. El círculo intelectual en San Petersburgo en ese momento era muy amplio, ya que en aquel momento la gente estaba unida. Hubo una gran actividad intelectual, que penetró en todas las sociedades, grupos y organizaciones de la época.

GLOSARIO:

Cuevas de Ajanta: Monumentos-cueva en el estado indio de Maharashtra, que datan del siglo II a.C. hasta el siglo VI, e incluyen pinturas budistas y esculturas.

Andreyev, Leonid (1871-1919): dramaturgo ruso, novelista y escritor de cuentos de la Edad de Plata de Rusia. Sus obras combinan elementos del realismo, el naturalismo y el simbolismo.

Baudelaire, Charles Pierre (1821-1867): poeta francés, igualmente activo como ensayista y crítico de arte. Su estilo en la prosa-poesía influyó en muchos escritores de su generación.

Beardsley, Aubrey (1872-1898): ilustrador inglés y figura destacada en el movimiento estético. Bajo la influencia del grabado japonés, sus dibujos fueron eróticos y decadentes.

Bely, Andrei (1880-1924): novelista ruso, poeta, teórico y crítico literario. Miembro del movimiento simbolista, sus escritos, como la novela “Petersburgo” fueron influyentes.

Benois, Alexandre (1870-1960): influyente artista ruso, diseñador teatral, historiador y crítico de arte. Estrecho colaborador de Diaghilev y miembro fundador de Mir Isskusva.

Bernard, Emile (1868-1941): pintor francés postimpresionista. Amigo de Gauguin y Van Gogh. Estuvo vinculado con movimientos del siglo XIX, como el cloisonnisme y el sintetismo.

Bilibin, Ivan (1876-1942): ilustrador ruso y diseñador teatral, influido por el folclore eslavo y los grabados japoneses. Trabajó con Mir Isskustva y los Ballets Rusos.

Blok, Alexander (1880-1921): poeta ruso de gran peso en el estilo simbolista. Con el novelista Andrei Bely influyó a una generación durante la Edad de Plata de la literatura rusa.

Böcklin, Arnold (1827-1901): pintor suizo dentro del estilo simbolista. Influido por el romanticismo, retrata mundos fantásticos relacionados con la mitología, la arquitectura clásica y la muerte. Burne-Jones, Edward (1833-1898): artista y diseñador británico. Amigo de Morris y Rossetti. Estuvo relacionado con el movimiento prerrafaelista y estético.

Carrière, Eugène (1849-1906): pintor simbolista francés y amigo de Rodin. Sus obras se caracterizan por su gama monocroma de marrón. Líder del movimiento secesionista.

Diaghilev, Sergei (1872-1929): editor de arte ruso, director y empresario. Fundador de los Ballets Rusos y co-fundador de Isskustva Mir (Sociedad Mundial del Arte).

Gallen-Kallela, Axeli (1865-1931): pintor finlandés nacionalista romántico con cuadros simbolistas. Es conocido por sus ilustraciones de la epopeya nacional finlandesa: “El Kalevala”.

Gauguin, Paul (1848-1903): artista francés post-impresionista. Figura destacada del movimiento simbolista, con un uso experimental del color, que influyó en muchos artistas importantes.

Grabar, Igor (1871-1960): pintor postimpresionista ruso, restaurador de arte, crítico, historiador de arte, editor y director durante una única vez de la Galería Tretyakov de Moscú.

Hodler, Ferdinand (1853-1918): pintor suizo de paisajes, con composiciones de figuras y retratos. Desarrolló un estilo de figura simétrica denominada por el mismo como Paralelismo.

Hokusai, Katsushika (1760-1849): pintor y grabador japonés. Muy conocido por su serie, “Treinta y seis vistas del monte Fuji”, que incluye “La gran ola de Kanagawa”.

John, Augusto (1878-1961): pintor galés, quien brevemente, hacia 1910, fue un importante post-impresionista británico, pero que posteriormente se decantó como pintor de retratos imaginativos.

Kandinsky, Wassily (1866-1944): influyente pintor ruso, teórico del arte y profesor. Inicialmente expresionista, pero más tarde fue reconocido como el primer pintor abstracto.

Khnopff, Fernando (1858-1921): pintor simbolista y diseñador belga. En Francia, diseñó cubiertas para libros de Péladan. En Inglaterra, se hizo amigo de Rossetti y Burne Jones.

Kuindji, Arkhip (1842-1898): pintor ruso. Miembro del grupo de pintores realistas Wanderers. Roerich fue su alumno en la Academia de Arte de San Petersburgo Malevich,

Kazimir (1879-1935): pintor y teórico ruso y uno de los primeros en realizar una obra completamente no figurativa, así como arte geométrico. Fue creador del suprematismo.

Mallarmé, Stéphane (1842-1898): poeta francés influyente, que fundó con Verlaine la escuela simbolista e inspiró a movimientos del siglo XX, como el dadaísmo y el surrealismo.

Mamontov, Savva (1841-1918): rico empresario y mecenas ruso. Puso en marcha una colonia artística en su finca de Abramtsevo y financió la ópera privada rusa.

Mir Iskusstva [El Mundo del Arte] (1898-1904): revista de arte rusa muy influyente y progresista y sociedad de exposiciones, que inspiró a un nuevo movimiento en las artes.

Moreau, Gustave (1826-1898): pintor simbolista francés y maestro, cuyos trabajos sobre temas mitológicos y bíblicos resultaron influyentes entre los artistas y escritores simbolistas.

Morris, William (1834-1896): escritor inglés, diseñador textil, pintor e impresor. Estuvo asociado al movimiento Arts and Crafts y la Hermandad prerrafaelita.

Munch, Edvard (1863-1944): pintor simbolista noruego del siglo XIX, que destacó por cuadros de fuerte carga psicológica, que influenciaron al expresionismo alemán del siglo XX.

Nesterov, Mikhail (1862-1942): pintor simbolista religioso ruso, cuya visión de Bartolomé es considerada como la primera pintura en el estilo simbolista ruso.

Péladan, Joséphin (1858-1918): novelista francés y simbolista. Organizó el Salón Rose + Croix para escritores, pintores y músicos, que tenían puntos de vista artísticos cercanos a los suyos.

Prerrafaelitas: pequeño grupo de pintores ingleses, que incluían a Hunt, Millais y Rossetti, formado en 1848 con el propósito de recuperar la sencillez de la pintura anterior a Rafael.

Puvis de Chavannes, Pierre (1824-1898): pintor francés de grandes murales decorativos, que influenciaron a pintores simbolistas, a pesar de que había estudiado con los romanticistas. “El reino de Roerich”: artículo de Leonid Andreyev sobre el mundo misterioso que evocan las pinturas de Nicolás Roerich. (New Republic 21/12/21, volumen 29, número 368, p. 97)

Redon, Odilon (1840-1916): pintor francés, litógrafo e importante exponente del Simbolismo. Trabajó con tonos del negro, pero más tarde hizo pinturas muy coloristas.

Rissanen, Juho (1873-1950): pintor finlandés proveniente de una familia pobre, descubierto por el pintor ruso Edenfelt y elegido para representar a Finlandia en la Exposición de París de 1900.

Roerich, Nicolás (1874-1947): pintor ruso, educador y diseñador de los Ballets Russes Secretario de la Sociedad para el Fomento de las Artes y dirigente de su escuela de arte.

Roerich, Svetoslav (1904-1993): pintor ruso e hijo de Nicolás Roerich, principalmente activo en los EE.UU. e India. Destacó por sus retratos públicos y pinturas de género indios.

Rose Croix: La Orden del Templo de la Rosa Cruz fue un movimiento artístico, que abarcaba tanto el simbolismo como el esoterismo. Fue puesto en marcha por Joséphin Péladan en 1890.

Rossetti, Dante Gabriel (1828-1882): pintor y poeta inglés, fundador de la Hermandad prerrafaelista. Influenció a los simbolistas y al movimiento estético. Escuela de la Sociedad para el Fomento de las Artes: se constituyó en 1857 para enseñar fundamentos básicos y preparar a los estudiantes para la Academia, posteriormente reformada y mejorada por Roerich.

Segantini, Giovanni (1858-1899): pintor italiano, famoso en el siglo XIX, que emplea técnicas puntillistas e imágenes simbolistas de la naturaleza en sus paisajes alpinos.

Serov, Valentin (1865-1911): pintor ruso y retratista de éxito, que expuso con el grupo Wanderers, y fue miembro de la colonia de Mamontov en Abramtsevo. Sérusier,

Paul (1863-1927): pintor postimpresionista francés y teórico, que fue pionero en el arte abstracto y uno de los fundadores a finales del siglo XIX del grupo de los Nabis.

Shchekatikhina-Pototskaya, Alexandra (1892-1967): pintora rusa, artista gráfico, escenógrafa, más conocida para los diseños de porcelana, que expuso con “World of Art” a partir de 1915. Sociedad Imperial para el Fomento de las Artes: Fundada en San Petersburgo en 1820 por clientes ricos con el propósito de poder financiar a estudiantes y artistas, y organizar concursos y exposiciones.

Surikov, Vasily (1848-1916), pintor ruso de grandes lienzos históricos. Sus trabajos son muy conocidos en Rusia. Expuso con Wanderers y con frecuencia los visitó en Abramtsevo. Simbolismo: movimiento europeo de finales del siglo XIX, que fue una reacción contra el Realismo y el Naturalismo, en favor de un enfoque más imaginativo y espiritual.

Tenisheva, princesa María (1867-1928): artista rusa, coleccionista e importante mecenas de las artes, que financió a Mir Isskustva y puso en marcha un centro de arte en su finca de Talashkino.

Utamaro, Kitagawa (1753-1806): pintor y grabador japonés, cuyos grabados y su uso de vistas parciales, y de la luz y sombra, a mediados del siglo XIX influenció a los impresionistas.

Van Gogh, Vincent (1853-1890): pintor postimpresionista holandés, que se hizo muy conocido por sus brillantes colores y estilo altamente reconocible. Influyó enormemente en el arte del siglo XX.

Vasnetsov, Victor (1848-1926): pintor ruso de lienzos históricos y mitológicos. Expuso con Wanderers y ocupó un lugar destacado en el círculo artístico de Mamontov.

Vasnetsov, Apollinary (1856-1933): pintor ruso de escenas del Moscú medieval. Al igual que su hermano Víctor expuso con Wanderers y trabajó con Mamontov.

Vrubel, Mikhail (1856-1910): artista ruso, generalmente clasificado como simbolista. Es más conocido por sus dibujos y acuarelas que ilustran el poema de Lermontov: “The Demon”.

* * * * * * * * * * * Copyright: Kenneth Archer, 23 de octubre, 2012